Bitácora de Arrabal: FOTOGRAFIA

Este ensayo no es más que una visión particular de la realidad a través del ejercicio fotográfico y las reflexiones internas que producen su experimentación. Está compuesto de cuatro pequeños apartados. El primero habla sobre la relación de la fotografía con la Sociedad de Consumo, donde las imágenes ejercen sus poderes sobre la representación de la realidad y crean las bases de ideología de la sociedad, sus valores y la felicidad privada. El siguiente apartado titula El verdadero significado de la Fotografía y habla sobre los mecanismos de producción de imágenes en la actualidad y los efectos que produce esta búsqueda en la sociedad. El tercer apartado: De Lo Escrito a Lo Visual y Viceversa, hace mención a la relación de la fotografía con la literatura y su complementariedad en el arte creativo. Finalmente consta el apartado sobre La Fotografía Simplificada, que trata de hacer una reflexión personal a manera de epílogo sobre la pintura y la fotografía mediante la representación conceptual de las ideas artísticas.

Las ideas expresadas en este ensayo son de estricta apreciación personal y no deben tomarse como una generalidad. No son comentarios especializados ni mucho menos, más bien son apuntes descriptivos, sinceros y viscerales sobre la tarea mental de procesar imágenes al sumergirse en la realidad cargando una cámara fotográfica. Ojalá sirva este texto como una invitación a la reflexión interna de cada persona, a la tarea de redescubrirnos fotográficamente y revelar quienes somos en verdad.

Sobre la Sociedad de Consumo

Las manifestaciones humanas subjetivas, es decir, las expresiones del subconsciente que se desarrollan en el hemisferio derecho del cerebro –al que se le atribuyen las habilidades espaciales y visuales, la creatividad, las emociones, la capacidad de síntesis y el talento artístico- han generado a través del tiempo una cierta repulsión por no ser consideradas actividades productivas que generen renta.

Estas manifestaciones sensoriales-culturales que pueden llamarse “arte”, hasta hoy en día están sujetas a profundas divergencias según la cultura, la época, o la sociedad; y cuando se refieren al tema específico de la imagen, la fotografía se convierte en su herramienta principal para la generación de las ideas y las emociones, o en general, para presentar una visión particular del mundo.

La sociedad de consumo que lidiamos solo demanda productos y actividades que se enmarquen en esta línea, caso contrario provoca su auto expulsión. Un ejemplo nítido presenta Susan Sontag, en su libro “On Photography”, en cual se hace referencia a los integrantes de las sociedades industrializadas de élite como Estados Unidos y Japón, donde las vacaciones –cuando deberían ser tomadas como la paralización de las actividades productivas- generan una ansiedad provocada por la inactividad laboral, y los individuos encuentran una tarea simpática imitando al trabajo: tomar fotos. La fotografía se convierte una actividad casi obligada para todo turista que visita nuevos lugares, para dejar testimonio de presencia física, mediante cascadas de imágenes. La razón de la necesidad de fotografiarlo todo reside en la lógica propia del consumo. Consumir implica incinerar, agotar, vaciar; y por lo tanto, la necesidad de re-abastecimiento A medida que hacemos imágenes y las consumimos, necesitamos aún más imágenes; y más todavía, mediante su cámara, teléfono, lo que sea. Tal como el adicto necesita su dosis de drogas necesaria, ya no tanto para provocar placer sino calmar su ansiedad. La televisión es el ejemplo claro de este bombardeo de las imágenes, donde cada imagen nueva anula a la predecesora en un proceso constante.

Una sociedad capitalista de hoy en día necesita una cultura representada en sus imágenes. La cantidad y significación de imágenes otorga una ideología dominante. Por consiguiente, si se persigue un cambio en la sociedad, éste se verá reflejado en los cambios de su imagen.

Se consume imágenes a un ritmo vertiginoso, no importa la calidad sino la cantidad, convertir lo repulsivo en algo conmovedor, o por cualesquier otro recurso. Nuestra era prefiere la imagen a la cosa, la copia al original, lo virtual a lo real. Entonces, la cámara fotográfica se ha transformado en la herramienta perfecta y necesaria para una nueva cultura de masas, para una sociedad derrochadora.

Estamos expuestos a que el significado de cada imagen se quede impregnado en la retina de cada espectador a manera de una loción que tarda en diluir su aroma. Cada registro tomado ha tenido la potestad de penetrar en la intimidad del individuo sujeto y lo ha transformado, pero -como aclara Nietzsche cuando dijo: “Acabo de leer a Schopenhauer, ahora tengo que desembarazarme de él”- el cerebro buscará su liberación y automáticamente volcará sus ojos a nuevos objetos de consumo.

El verdadero significado de la Fotografía

La fotografía precisa de una búsqueda etérea de imágenes dispersas en la cotidianidad o más bien una demanda de ellas en la mente humana. Uno ve lo que quiere ver. El oficio demanda transitar por senderos blandos y ásperos, experimentar sensaciones pegadas a lo abstracto, a lo efímero, al placer y al mismo tiempo de dolor. Como aclara Reich, “el gusto del masoquista por el dolor no surge de un amor por el dolor sino, de la esperanza de procurarse mediante el dolor una sensación intensa”. De esta manera es como el artista debe parir a sus obras y el fotógrafo congelar sus instantáneas: arriesgando.

La fotografía es una actividad que no interviene en la vida del sujeto, sino que solo se encuentra de visita (o al menos lo intenta). El fotógrafo se convierte en una suerte de super-turista, un pseudo-antropólogo que visita una comunidad poco conocida y regresa con registros de existencia y costumbres de sus habitantes. No obstante, como aclara Sontag: “fotografiar algo se transformó en una fase rutinaria del procedimiento para alterarlo”. Dada la complejidad de la temática fotografiada, muchas veces se ha intervenido en el sujeto gracias a sus testimonios, a sus denuncias, a la emotividad, a lo que implora y revela.

La realidad de la sociedad se refleja en esas manifestaciones, en sus imágenes, en una plenitud rociada de desperdicios donde nuestros desechos se han convertido en arte, un arte democratizado por las redes sociales, endiosado y al mismo tiempo reducido a cenizas por la condición efímera de su existencia.

Dada la afectación sobre nosotros, no cabe la duda de que la fotografía en un futuro cambiará nuestras vidas para siempre, o es que ya lo está haciendo. Ya que el fotógrafo saquea y preserva, denuncia y consagra, imparte notoriedad u olvido, son los artistas contemporáneos por excelencia, los directores de este largometraje llamado “existencia”. Sea cual fuere su destino y tomando las palabras de Dorothea Lange: “no es accidental que el fotógrafo se meta a fotógrafo, como no lo es que el domador de leones se meta a domador.”

De Lo Escrito a Lo Visual y Viceversa

Un apartado muy estimulante para la imaginación es la relación de la fotografía con la literatura y el peso contundente de las letras. Ambas expresiones han tratado desde siempre con sus armas retratar la sociedad y sus actores. Como indica Lewis Hine: “Si pudiera contarlo todo con palabras, no me sería necesario cargar con una cámara”. Hacer algo: una foto o un texto, cualquier cosa pero hacerlo. No dejarse caer, la vida es imprecisa y caber dentro es complicado. Es necesario crear una secuencia de imágenes de mentira o inventar una historia, ya existen millones de ellas escritas en el subconsciente, solo es preciso sacarlas al exterior en forma de letras, imágenes, sensaciones, o tal vez lágrimas.

Valga la mención al fotógrafo estadounidense Duane Michals en su obra “Secuencias”, donde hace una exquisita fusión de lo literario con lo visual, creando un todo indivisible de contundente significación. Un ejemplo de esta narrativa es la fotografía “Salvation”. La imagen entrega la representación de un sacerdote apuntado con una cruz –a manera de pistola- a otra persona haciendo una analogía a las imposiciones del mundo católico sobre los creyentes. La forma en que la cruz es empuñada a manera de un revólver denota la forma en que la religión es impuesta con violencia al alma, condicionándole su salvación a esta aceptación. Se puede entender como una sutil analogía con el momento histórico de la llegada de los conquistadores españoles a suelo americano y la instauración de la cruz sobre la tierra como símbolo de conquista. Nos comunica sobremanera el color de la vestimenta y los gestos de cada personaje: negro para el sacerdote con una intensa mirada de imposición y el gesto de su mano izquierda lleno de firmeza para aplastar el gatillo de la pistola ante una negativa; en contraste su mano derecha: apacible y disuasiva sobre el hombro del muchacho. Por otro lado, el joven vestido de blanco denota inocencia e incertidumbre ante la situación de elegir o no la salvación propuesta. Acompaña una mirada dirigida hacia el infinito, hacia la nada, en un gesto de desidia y resignación. Hay un texto en la cabecera que acompaña la imagen, cuya traducción al español dice: “ningún americano tiene el derecho de imponer su moral privada sobre otro americano”.

El texto dentro de la fotografía significa la realización completa de la idea, el refuerzo del concepto; las letras como un elemento gráfico más, dentro de la composición fotográfica. Para apreciar las analogías entre fotografía y literatura basta leer la obra de Balzac. Su obra literaria exagera los detalles diminutos y triviales tal como una ampliación fotográfica con el propósito de representar una clave psicológica oculta y dar fuerza a una realidad histórica. También fusiona detalles heterogéneos como en la exposición fotográfica y adquiere expresividad de ese modo para describir las maneras de vivir y un conjunto de apariencias sociales. (Se puede leer el pasaje del comienzo de Papá Goriot. 1834. Honoré de Balzac)

La Fotografia Simplificada

Como menciona Sontag "la generaciones recientes de fotografos prefieren mostrar el desorden, destilar una anécdota casi siempre inquietante, antes de aislar una forma simplificada (expresión de Weston) en última instancia tranquilizadora”. No hay nada más clásico que fotografiar lo estático, lo recurrente, los lugares comunes, lo evidente a los ojos de todos: los paisajes. Retratar la espectacularidad de la naturaleza no deja de ser algo meramente descriptivo, un afán exagerado de perfeccionismo pictórico-técnico, con ausencia de conciencia social. Si bien no dejan de ser bellas las fotografías paisajísticas de Weston, Strand o Adams (admirables por su composición) hoy esta visión ha perdido el interés para mucha gente por su limitada y estrecha mirada ante la complejidad del caos social contemporáneo; su capacidad de transformar la realidad en algo bello deriva de su debilidad para comunicar la verdad. Se presenta ante nuestros ojos como un modo de conocimiento sin conocimiento, una forma de arte porque puede mentir. De cierta forma tranquiliza a los fotógrafos con la idea de que el arte no es difícil, tan solo basta tener una cámara y hacer "clic".

Para Baudelaire la fotografía era el “enemigo mortal” de la pintura. Sobre este tema, se puede afirmar que la fotografía ha liberado a la pintura de gran parte de su tarea de representar la realidad tal como es, por lo cual la pintura se ve más holgada en buscar su eterno norte: la abstracción. Ahora existe una mutua alimentación de ambas tendencias, por el hecho que fotógrafos busca inspiración en la pintura, como es el caso de Joel-Peter Witkin con su versión bizarra del “Nacimiento de Venus” de Boticelli, o Jeff Wall haciendo alusión a temas de la pintura naturalista del siglo XIX, Cézanne, Delacroix, o Caravaggio.

En todo caso esta interdependencia viene desde los orígenes de cada una, y si nacieron juntas, es normal que convivan con sus vicios y virtudes, y la fotografía se convierta en arte surrealista por excelencia. Por ello es normal que ahora las fotografías reemplacen a las pinturas colgadas en los salones y dormitorios; estas representaciones abstractas, congeladas en ese siniestro recuadro, colmadas de personas y objetos atrapados en alguna dimensión que no tenemos acceso y que quedarán inmortalizadas para siempre.

Al igual que la pintura, la fotografía debe apelar con intensidad al acto surrealista, invitar a reflexionar sobre la existencia humana a través de la obra conceptual. Este será el camino hacia la redefinición del medio fotográfico como un medio artístico y no simplemente como un registro de la realidad. Deberá ser una fiel representación de las emociones y los sueños humanos.

Iglesia de La Compañía de Jesús. Quito-Ecuador (2012)

Aquí se aprecian las cúpulas de la Iglesia de La Compañía, generalmente poco apreciadas y desplazadas por la icónica fachada de la iglesia. Es una imagen que expresa esa dualidad oculta de los monumentos religiosos de la ciudad; que desprenden detalles ocultos, con ansias de desdoblarse, como si de un ser vivo de tratara. Podemos imaginar esta fotografía, como una imagen casi cinematográfica, una infinita cantidad de instantes flotando en alguna dimensión, infinita cantidad de instantes que en realidad son uno sólo, son multitud e individualidad a la vez, son vida y muerte, luz y oscuridad; pero permanecen en la sombra, están ahí, y no somos capaces de notarlo.

Plaza de la Independencia. Quito-Ecuador (2012)

Esta es una fotografía de la Plaza de la Independencia vista desde de la esquina del Centro Cultural Metropolitano. Los juegos de luz en movimiento se mezclan con la oscuridad de la noche, en donde lo único que queda es una estela de movimiento que marca ese vertiginoso dinamismo una ciudad cosmopolita, como testigo de una acción, encubierta bajo la noche. Es una suerte de experimentación con la luz y la oscuridad, con la realidad y el deseo, pues tanto la realidad como el deseo son vivenciados en este laboratorio llamado Quito y su discurso nocturno.

Plaza de San Francisco. Quito-Ecuador (2012)

El campo visual de la Plaza de San Francisco es un seductor escenario para congelar postales nocturnas, en este caso desde la escalinata con la cámara en el piso. La consigna es captar imágenes comunes a manera de sensaciones de la ciudad. Es una mirada del Quito nocturno, que se escapa de la visión turistica, y que podemos darnos cuenta de que aquel instante no es un momento fugaz sino que está visto como la circularidad temporal –como dice Borges-, dentro de la cual los instantes perduran fuera del tiempo-espacio que nosotros manejamos. Los destellos de luz del alumbrado público parecen desapercibidos pero ante el lente de la cámara se transforman en una alegoría de luz y color que climatizan al ambiente frio de la arquitectura de la plaza.